The Strangeest Pictures

Les beaux-arts peuvent présenter toute une gamme d’émotions. Certaines images les font les regarder pendant des heures, tandis que d’autres littéralement choquent, étonnent et font exploser la vision du monde. Il y a de tels chefs-d’œuvre qui vous font réfléchir et chercher une signification secrète. Certaines peintures sont enveloppées de mystères mystiques, tandis que dans d’autres, la principale chose est leur prix prohibitif.

нема Il y a beaucoup de peintures étranges dans l’histoire de la peinture mondiale. Dans notre classement, délibérément ne mentionnera pas Salvador Dali, qui était un maître dans ce genre et dont le prénom vient à l’esprit. Et bien que le concept même d’étrangeté soit subjectif, il est possible de distinguer les œuvres connues qui sont clairement hors de portée générale. Edward Munch “Scream”.

Travail de la taille de 91×73, 5 cm a été créé en 1893. Munch l’a écrit avec de l’huile, du pastel et de la tempérament, aujourd’hui la photo est conservée à la National Gallery d’Oslo. La création de l’artiste est devenue un point de repère pour l’impressionnisme, c’est généralement l’un des tableaux les plus célèbres du monde d’aujourd’hui. Munch lui-même a raconté l’histoire de sa création: «Je marchais le long de la route avec deux amis, alors le soleil s’allongeait. Soudainement, le ciel devint rouge de sang, je m’arrêtai, j’étais épuisé et appuyé contre la clôture.» J’ai regardé le sang et les flammes au-dessus du bleuâtre “Un fjord noir et une ville.” Mes amis ont continué, et tout le monde tremblait d’excitation, sentant un cri sans fin qui a percé la nature. ” Il existe deux versions de l’interprétation de sens tracée. Nous pouvons supposer que le personnage représenté est saisi par l’horreur et crie silencieusement, en appuyant ses mains vers ses oreilles. Une autre version dit que l’homme a fermé ses oreilles des cris qui l’entouraient. Au total, Munch a créé jusqu’à 4 versions de “Scream”. Certains experts croient que cette image est une manifestation classique de la psychose maniaco-dépressive, dont l’artiste a souffert. Quand Munch a été traité à la clinique, il n’est pas revenu à cette peinture. Paul Gauguin “D’où sommes-nous venus? Qui sommes-nous? Où allons-nous?”.

Au Boston Museum of Fine Arts, vous pouvez trouver ce travail impressionniste d’une taille de 139,1 × 374,6 cm. Il a été peint avec de l’huile sur toile en 1897-1898. Ce travail profond a été écrit par Gauguin à Tahiti, où il s’est retiré de l’agitation de la vie parisienne. L’image est devenue si importante pour l’artiste qu’à la fin, il voulait même se suicider. Gauguin croyait qu’elle était la meilleure à tout ce qu’il avait créé auparavant. L’artiste a cru qu’il ne pouvait plus créer quelque chose de mieux ou similaire, il n’avait tout simplement rien à faire. Gauguin a vécu pendant encore 5 ans, prouvant la vérité de ses jugements. Il a lui-même dit que sa photo principale devrait être vue de droite à gauche. Il y a trois groupes principaux de figures présents, qui incarnent ces problèmes, qui sont intitulés la toile. Trois femmes avec un enfant montrent le début de la vie, les personnes du milieu symbolisent la maturité, la vieillesse est représentée par une femme âgée qui attend sa mort. Il semble qu’elle s’est réconciliée avec cela et pense à son propre problème. À ses pieds, un oiseau blanc symbolise l’absence de sens des mots.

The Strangeest Pictures

Pablo Picasso “Guernica”.

La création de Picasso est stockée dans le musée de Madrid de la Reine Sofia. Une grande taille d’image de 349 par 776 cm est écrite en huile sur toile. Cette toile-fresque a été créée en 1937. L’image raconte un raid de pilotes fascistes bénévoles sur la ville de Guernica. À la suite de ces événements, la ville d’une population de 6 000 personnes a été totalement effacée de la terre. Cette image que l’artiste a créée littéralement en un mois. Dans les premiers jours de Picasso a travaillé pendant 10-12 heures, dans le premier de ses croquis l’idée principale a déjà été vue. En conséquence, l’image est devenue l’une des meilleures illustrations de toutes les horreurs du fascisme, de la cruauté et du chagrin humain. Dans “Guernica”, vous pouvez considérer la scène de la brutalité, de la violence, de la mort, de la souffrance et de l’impuissance. Bien que les raisons ne soient pas clairement indiquées, elles sont évidentes de l’histoire. On dit qu’en 1940, Pablo Picasso à Paris a même été convoqué à la Gestapo. On lui a immédiatement demandé: “Vous l’avez fait?”. A quoi l’artiste a répondu: “Non, vous l’avez fait.”Jan van Eyck “Portrait des quatre Arnolfini”.

Cette peinture a été peinte en 1434 par l’huile sur bois. Le chef-d’œuvre a une taille de 81,8×59,7 cm, et il est conservé à la Galerie nationale de Londres. On peut supposer que l’image montre Giovanni di Nicolao Arnolfini avec sa femme. Le travail est l’un des plus difficiles dans l’école occidentale de peinture des temps de la Renaissance du Nord. Dans cette peinture célèbre, un grand nombre de personnages, d’allégories et de divers crochets. Ce n’est que la signature de l’artiste “Jan van Eyck était là.” En conséquence, l’image n’est pas seulement une œuvre d’art, mais un véritable document historique. Après tout, il représente un véritable événement qui a impressionné Van Eyck. Cette photo est devenue récemment très populaire en Russie, car, à l’œil nu, la similitude entre Arnolfini et Vladimir Poutine est perceptible. Michael Vrubel “The Demon Assis”.

La galerie Tretyakov conserve ce chef-d’œuvre de Mikhail Vrubel, écrit par lui dans l’huile en 1890. Toile de dimensions – 114×211 cm. Le démon montré ici surprend. Il apparaît comme un jeune homme triste aux cheveux longs. Habituellement, les gens ne représentent pas les mauvais esprits comme ça. Vrubel lui-même a dit à propos de son tissu le plus célèbre que, dans sa compréhension, le démon n’est pas tant un esprit pervers que la souffrance. En même temps, vous ne pouvez pas lui nier le pouvoir et la majesté. Le démon de Vrubel est une image, tout d’abord de l’esprit de l’homme, qui règne en nous de la lutte constante contre soi-même et les doutes. Cette créature entourée de fleurs tragiquement serrées les mains, ses yeux énormes regardent tristement dans la distance. Toute la composition exprime l’embarras de la figure du démon. Il semble être serré dans cette image entre le haut et le bas du cadre. Vasily Vereshchagin “L’apothéose de la guerre”.

La peinture a été écrite en 1871, mais l’auteur semblait prévoir les horreurs des futures guerres mondiales. Taille de la toile 127h197 cm stockée dans la galerie Tretyakov. Vereshchagin est considéré comme l’un des meilleurs combattants de la peinture russe. Cependant, il a écrit des guerres et des batailles non pas parce qu’il les aimait. L’artiste au moyen des beaux-arts a essayé de transmettre aux personnes leur attitude négative à l’égard de la guerre. Une fois, Vereshchagin a même promis de ne plus écrire de scènes de combat. Après tout, la douleur de tout soldat blessé et tué était trop proche du cœur. Le résultat d’une attitude aussi pénétrante à l’égard de ce sujet était l’apothéose de la guerre. Une image terrible et fascinante représente une montagne de crânes humains sur un champ avec des corbeaux. Vereshchagin a créé une toile émotionnelle, derrière chaque crâne dans une énorme pile tracée l’histoire et le destin des personnalités et des personnes proches d’eux. L’artiste lui-même l’a qualifié sarcastiquement de cette peinture d’une nature morte, car elle représente une nature morte. Tous les détails de la “Apothéose de la Guerre” crient à propos de la mort et du vide, il est visible même dans le fond jaune de la terre. Et le bleu du ciel ne fait que souligner la mort. L’idée des horreurs de la guerre est soulignée par des trous de balle et des traces de sabres sur les tortues. Grant Wood “American Gothic”.

The Strangeest Pictures

.

Cette petite image a une taille de 74 par 62 cm. Elle a été créée en 1930 et est maintenant stockée à l’Institut des arts de Chicago. La peinture est l’un des exemples les plus célèbres de l’art américain du siècle dernier. Déjà à notre époque, le nom “American Gothic” est souvent mentionné dans les médias. L’image représente un père plutôt sombre et sa fille. De nombreux détails racontent la gravité, le puritanisme et la rigidité de ces personnes. Ils ont des visages mécontents, au milieu de la photo il y avait des fourchettes agressives, et les vêtements de la paire sont démodés même par les normes de l’époque. Même la couture sur les vêtements du fermier répète la forme de la fourchette, doublant la menace pour ceux qui empiètent sur son mode de vie. Les détails de l’image peuvent être étudiés sans fin, se sentir physiquement mal à l’aise. Fait intéressant, à la fois au concours de l’Institut des arts de Chicago, la photo a été acceptée par les juges comme humoristique. Mais le peuple de l’Iowa a offensé l’artiste pour le fait qu’il les a exposés dans un tel coup de fouet.Le modèle de la femme a été fabriqué par Sister Wood, mais le prototype de l’homme en colère était le dentiste du peintre.

The Strangeest Pictures

Rene Magritte “Lovers”.

La peinture a été peinte en 1928 avec de l’huile sur toile. Il y a deux options. Sur l’un d’eux, un homme et une femme s’embrassent, mais seulement leurs têtes sont enveloppées dans un tissu blanc. Dans une autre version de l’image, les amateurs regardent le spectateur. Peint et surpris, et fascinant. Les figures sans visages symbolisent la cécité de l’amour. On sait que les amants ne voient personne, que nous ne pouvons pas discerner leurs vrais sentiments. Même l’un pour l’autre, ces personnes, aveuglées par le sentiment, sont en fait un mystère. Et bien que le message principal de l’image semble compréhensible, “Lovers” vous fait encore regarder et penser à l’amour. Dans Magritte en général, presque toutes les images sont des rebuts, ce qui est complètement impossible à résoudre. Après tout, ces tableaux posent les principales questions sur le sens de notre vie. En eux, l’artiste parle de la nature illusoire de ce que nous voyons, qu’il y a beaucoup de choses mystérieuses autour de nous, que nous essayons de ne pas remarquer. Marc Chagall “Walking”.

The Strangeest Pictures

.

La peinture a été peinte en huile sur toile en 1917, maintenant elle est conservée dans la Galerie d’Etat Tretyakov. Dans ses œuvres, Marc Chagall est généralement sérieux, mais il s’est laissé faire preuve de sentiments. L’image exprime le bonheur personnel de l’artiste, elle est pleine d’amour et d’allégories. Son “Walk” est un autoportrait, où Chagall a représenté sa femme Bella à côté d’elle. Son élu tourne dans le ciel, elle est sur le point de lui trainer un artiste, qui se déchira déjà déjà du sol, en le touchant seulement avec les pointes de ses chaussures. D’autre part, l’homme est tit. Nous pouvons dire que c’est ainsi que Chagall a dépeint son bonheur. Lui et la grue dans le ciel sous la forme d’une femme bien-aimée, et un marteau à la main, sous lequel il voulait dire son travail.

The Strangeest Pictures

Hieronymus Bosch “Le jardin des délices terrestres”.

Cette toile, mesurant 389×220 cm, est conservée au Musée du droit espagnol. Bosch a peint une image de beurre sur un arbre dans les années 1500-1510. C’est le triptyque le plus célèbre de Bosch, bien que l’image comporte trois parties, elle est nommée pour le centre, dédiée à la volupté. Autour de la signification d’une image étrange est constamment débattu, il n’y a pas une telle interprétation de celle-ci qui serait reconnue comme la seule vraie. L’intérêt pour le triptyque est dû aux nombreux petits détails qui expriment l’idée principale. Il y a des figures translucides, des constructions inhabituelles, des monstres, des cauchemars incarnés et des visions et des variations infernales de la réalité. Pour tout cela, l’artiste a pu regarder avec un regard aigu et cherchant, ayant réussi à unir des éléments différents dans un seul canevas. Certains chercheurs ont essayé de voir dans l’image un reflet de la vie humaine, que l’auteur a montrée en vain. D’autres ont trouvé des images d’amour, quelqu’un a découvert le triomphe de la volupté. Cependant, il est douteux que l’auteur ait essayé de glorifier les plaisirs charnels. Après tout, les figures des personnes sont représentées avec un détachement et une simplicité froids. Oui, et les autorités de l’église ont préféré traiter cette image de Bosch. Gustav Klimt “Trois âges d’une femme”.

Dans la Galerie nationale romaine d’art moderne, cette image est située. Une toile carrée de 180 cm de large a été peinte avec de l’huile sur toile en 1905. Cette image exprime à la fois la joie et la tristesse. L’artiste en trois figures a pu montrer toute la vie d’une femme. Le premier, encore un enfant, extrêmement insouciant. Une femme mûre exprime la pacification, et le dernier âge symbolise le désespoir. Dans le même temps, l’âge moyen est tissé de manière organique dans l’ornement de la vie, et l’ancien se distingue nettement contre son arrière-plan. Le contraste apparent entre la jeune femme et les personnes âgées est un symbole. Si la floraison de la vie s’accompagne de nombreuses opportunités et de nouveaux changements, la dernière phase est une constance intégrée et un conflit avec la réalité. Une telle image attire l’attention et vous fait penser à l’intention de l’artiste, sa profondeur. En elle, toute la vie avec son inévitabilité et sa métamorphose.

The Strangeest Pictures

Egon Schiele’s “Family”.

Cette toile est de la taille de 152.5×162.5 cm a été écrit en huile en 1918. Maintenant, il est stocké dans le belvedere viennois. Le professeur Shile était Klimt lui-même, mais l’étudiant n’a pas essayé de le copier avec diligence, en cherchant ses méthodes d’expression. On peut affirmer en toute sécurité que le travail de Schiele est encore plus tragique, effrayant et étrange que celui de Klimt. Certains éléments aujourd’hui seraient appelés pornographiques, il y a beaucoup de perversions différentes, dans toute la beauté il y a du naturalisme. Dans le même temps, les images sont littéralement imprégnées d’un désespoir désespéré. Le summum du travail de Schiele et son plus récent tableau est «La famille». Dans cette toile, le désespoir est porté au maximum, alors que le travail lui-même pour l’auteur s’est révélé le moins étrange. Après que la grippe espagnole est morte, la femme enceinte de Schiele, et peu de temps avant sa mort, ce chef-d’œuvre a été créé. Seulement deux jours se sont passés entre les deux décès, ils ont suffi pour que l’artiste se retrouve avec sa femme et son enfant à naître. À l’époque, Schiele n’avait que 28 ans. Frida Kahlo “Deux Frides”.

La peinture est née en 1939. L’artiste mexicaine Frida Kahlo est devenue célèbre après la sortie du film à propos d’elle avec Salma Hayek dans le rôle-titre. Au cœur du travail de l’artiste se trouvaient ses autoportraits. Elle a expliqué ce fait de cette façon: «Je m’écris, parce que je passe beaucoup de temps seul et parce que je suis le sujet que je connais le mieux». Il est intéressant que Frida ne soutienne pas ses peintures. Son visage est sérieux, même en quelque chose de triste. Les sourcils épaissis et la moustache à peine perceptible au-dessus des lèvres comprimées expriment le maximum de gravité. Les idées des mêmes images se trouvent dans les figures, les antécédents et les détails de ce qui entoure Fried. Le symbolisme des peintures est basé sur les traditions nationales du Mexique, étroitement liées à l’ancienne mythologie indienne. “Two Fridays” est l’une des meilleures peintures mexicaines. En elle, le principe masculin et féminin, avec un système de sang unifié, est affiché d’une manière originale. Ainsi, l’artiste a montré l’unité et l’intégrité de ces deux opposés. Claude Monet “The Waterloo Bridge”. L’effet du brouillard. ”

À l’ermitage de Saint-Pétersbourg, vous pouvez trouver cette peinture par Monet. Il a été peint en huile sur toile en 1899. Lorsque la peinture est examinée de près, elle apparaît comme une tache pourpre avec des traits épais appliqués. Cependant, en s’éloignant de la toile, le spectateur comprend toute sa magie. Au début, des demi-cercles peu clairs qui traversent le centre de l’image deviennent visibles, les contours des bateaux apparaissent. Et à distance de quelques mètres, vous pouvez voir tous les éléments de l’image connectés dans une chaîne logique. Jackson Pollock “Numéro 5, 1948”.

Pollock est un classique du genre de l’expressionnisme abstrait. Sa peinture la plus célèbre est de loin la plus chère du monde. Et l’artiste l’a peint en 1948, en versant une peinture à l’huile sur un fibrolyte mesurant 240×120 cm. En 2006, cette peinture a été mise aux enchères chez Sotheby’s pour 140 millions de dollars. Le propriétaire précédent, le collectionneur et producteur de films David Giffen, l’a vendu au financier mexicain David Martinez. Pollock a déclaré qu’il avait décidé de s’éloigner de ces outils familiers de l’artiste comme un chevalet, des peintures et des pinceaux. Ses outils étaient des bâtons, des couteaux, des boules et des verreries. Il a également utilisé un mélange de celui-ci avec du sable ou même du verre cassé. Commencer à créer. Pollock reçoit de l’inspiration, même sans se rendre compte de ce qu’il fait. C’est seulement alors que se concrétise le parfait. Dans le même temps, l’artiste n’a peur de détruire l’image ou de la modifier par inadvertance: l’image commence à vivre sa propre vie. La tâche de Pollock est de l’aider à naître, à sortir. Mais si le maître perd le contact avec sa création, le résultat sera le chaos et la saleté. En cas de succès, l’image intégrera l’harmonie pure, la facilité d’accueil et l’incarnation de l’inspiration. Joan Miró “Un homme et une femme devant un tas d’excréments”.

The Strangeest Pictures

Ce tableau est maintenant stocké dans le fonds de l’artiste en Espagne. Il a été écrit en huile sur une feuille de cuivre en 1935 dans une semaine seulement du 15 au 22 octobre.La taille de la création n’est que de 23×32 cm. Malgré ce titre provocateur, l’image parle des horreurs des guerres civiles. L’auteur lui-même a ainsi représenté les événements de ces années, en Espagne. Miro a essayé de montrer une période d’anxiété. Dans l’image, vous pouvez voir l’homme et la femme immobiles qui, néanmoins, sont attirés l’un l’autre. La toile est pleine de fleurs toxiques sinistres, avec des organes génitaux agrandis, elle semble délirantement dégoûtante et dégoûtantement sexy.

The Strangeest Pictures

Jacek Yerka “Erosion”.

Dans les travaux de ce néo-réaliste polonais, des images de la réalité, entrelacer, créer une nouvelle réalité. À certains égards, même les images touchantes sont extrêmement détaillées. Ils ressentent les échos des surréalistes du passé, de Bosch à Dali. Yerka a grandi dans l’atmosphère de l’architecture médiévale, a survécu miraculeusement après les bombardements de la Seconde Guerre mondiale. Il a commencé à dessiner avant même d’entrer à l’université. Là, ils ont essayé de changer son style à un plus moderne et moins détaillé, mais Yerka lui-même a conservé son individualité. Aujourd’hui, ses peintures inhabituelles sont exposées non seulement en Pologne, mais aussi en Allemagne, en France, à Monaco, aux États-Unis. Ils sont dans un certain nombre de collections à travers le monde. Bill Stoneham “Les mains sont contre lui”.

La peinture, peinte en 1972 par les classiques de la peinture, est difficile à nommer. Cependant, il ne fait aucun doute qu’elle est parmi les créations les plus étranges d’artistes. L’image montre qu’un garçon, à côté de lui, est une poupée, et derrière lui il y a de nombreuses mains pressées sur le verre. Cette toile est étrange, mystérieuse et mystique à certains égards. Il est déjà couvert de légendes. Ils disent que, à cause de cette photo, quelqu’un est mort, et les enfants sont en vie. Elle a l’air vraiment effrayante. Il n’est pas surprenant que les gens avec une image psyché malade jettent des craintes et des fantasmes terribles. Stoneham lui-même a assuré qu’il se peignait à l’âge de 5 ans. La porte derrière le garçon est une barrière entre la réalité et le monde des rêves. La poupée est le conducteur, qui peut transporter l’enfant d’un monde à l’autre. Les mains sont des vies alternatives ou des capacités humaines. La peinture est devenue célèbre en février 2000. Elle a été mise en vente sur eBay, disant qu’elle avait des fantômes sur elle. En conséquence, “Hands’s Against” a été acheté pour 1025 $ par Kim Smith. Bientôt l’acheteur a été littéralement rempli de lettres avec des histoires terribles liées à l’image, et exige de détruire cette peinture.

Add a Comment